Shinsee's Salon

<다크 섀도우>

감독 : 팀 버튼

출연 : 조니 뎁 / 에바 그린 / 미셸 파이퍼 / 벨라 히스코트 / 클로이 모레츠 등

※ 스포 주의

팀버튼과 조니 뎁의 만남은 언제나 흥미롭다. 하지만 언젠가부터 팀버튼이 조니뎁의 캐릭터에 너무 기대고 있는 게 아닌가 싶어지더라는. <이상한 나라의 앨리스> 때도 그걸 좀 느꼈는데 <다크 섀도우>를 보니 더욱 그렇다. 물론 팀버튼은 우리가 꿈꿀 수 있는 동화 속 나라를 완벽하게 스크린 안에 재현할 수 있는 최고의 감독이라는 사실은 분명하지만 그의 작품이 거듭될수록 영화의 비주얼과 캐릭터가 강화되는 반면 스토리나 메시지는 조금씩 심심해 지고 있다. 

배우 보는 맛

하지만 역시 그의 영화를 통해 만나는 배우들의 매력 만큼은 다른 곳에서 쉽게 찾아보기 힘들만큼 강렬하다. 팀 버튼은 다른 것보다도 배우들을 잘 고르는 듯. 그리고 그의 영화에 출연하는 모든 배우들이 팀 버튼 영화를 위해 만들어진 배우들같이 느껴지는 걸 보면 마치 장진 사단 영화와 비슷하게 느껴지기도. (정재영, 신하균 등등) 조니 뎁은 더 말해 무엇하랴. 그리고 팀버튼 영화에서 빠지지 않는 단골 주연급 조연 헬레나 본햄 카터의 미친 존재감도 역시 열외.  

<다크 섀도우>에서 새롭게(혹은 오랜만에) 만난 배우들의 면면만 보더라도 팀 버튼의 타고 난 배우 복(福)이 드러나는데 콜린스가 저택의 카리스마 넘치는 여주인으로 나온 미셸 파이퍼는 물론이요, 그녀의 한껏 비뚤어진 딸 캐롤린으로 나온 클로이 모레츠도 될성 부른 대배우의 떡잎을 보여주는 듯. 무엇보다 대박이었던 건 마녀로 나온 에바 그린!! 언뜻 보면 청순한 얼굴상인데 그 큰 눈을 매섭게 치켜 뜨니 악랄한 마녀 얼굴이 딱이더라는 ;; 특히 깨져 부서지는 흰 얼굴에 각기 귀신 흉내내는 모션이 가관이었다. 콜린스의 일편단심 연인으로 등장하는 벨라 히스코트라는 여배우도 아이 같은 외모와 달리 낮은 톤의 품위있는 목소리가 매력적.

About Blood

세트와 소품 등을 통해 영화 전반에 지속적으로 등장하는 핏빛 비주얼은 섹슈얼하면서도 질긴 연대의 상징으로서의 피(blood)를 시각화한다. 그리고 그 '피'라는 것에 대해 인간이 갖고 있는 고정관념과 강박 같은 것에 대한 전복도 읽히는데,  영화의 초반 콜린스의 내레이션을 통해 피를 어떻게 타고 나느냐(어느 부모 밑에 태어나느냐)에 따라 가난할 수도, 부자가 될 수도 있다는 선천적 조건으로서의 '피'를 언급한다. 하지만 '피'로 맺어진 대표적 관계인 '가족'의 의미가 이 영화에서 어떻게 보여지고 있는지를 보면 콜린스의 내레이션은 로망에 불과하다는 것을 알게 된다. 아들을 버리는 아버지, 어머니를 거부하는 딸의 모습은 '피'에 대한 환상을 여지없이 무너뜨리기에 충분하다. 

한편 영원히 늙지 않는 불멸을 꿈꿨던 호프만 박사는 콜린스의 피를 탐내고 영화의 마지막 장면에서 콜린스는 조세트의 목을 깨물어 자신과 같은 뱀파이어로 만듦으로써 둘의 사랑을 완성한다. 결국 인간이 집착하는 '피'라는 것이 갖는 의미는 처음부터 정해져 있거나 절대 바꿀 수 없는 대상이 아니라 인간의 의지를 통해 충분히 변경 가능한 것이라는 점을 말하고 있는 것은 아닐까. 사랑이 배제되어 있는 무조건적인 집착과 오만함이 얼마나 허무하고 위험한 것인지 콜린스가의 몇몇 어른들과 마녀 안젤리크를 통해서 보여주고 있는 듯.

결론 삼아 정리하자면 <다크 섀도우>는 고전적인 스토리라인을 가공하되 팀버튼다운 비틀기식 유머가 간간이 비어져 나오고 배우들의 연기력을 동원한 캐릭터 재해석을 통한 재미를 전달하는, 지금까지의 그의 영화들의 계보를 잇는 작품이다. 여전히 아름다운 비주얼과 크로테스크한 매력이 넘치는 볼거리들로 무장되어 있지만 마치 잔혹한 그림형제의 동화 원본을 보고 난 후의 찜찜함도 함께 선사한다. 아이들과 함께 보기에도 좀 민망하고 그렇다고 성인용 스토리도 아닌 것이...

팀 버튼의 다음 영화를 극장에서 봐야 할지... 이제 조금 고민해 봐야겠다.

+ 아, 언급하지 않을 수 없는 영화음악들~

   70년대 미국 컨츄리 음악과 데스락을 오가는 배경음악은 또다른 재미 요소다.

   그 중에서도 팀 버튼의 영화와 앨리스 쿠퍼의 궁합은 단연 최고!

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<은교>

감독 : 정지우

주연 : 박해일, 김무열, 김고은

※ 스포일러 주의

늙은 시인.

누구에게나 '처녀'로 표현되는 영감의 대상이 있을 수 있다. 특히 창작을 하는 예술가에게 다시 돌아오지 않을 젊음을 떠올릴 수 있게 해주는 존재는 그야말로 소중한 영감의 원천이다. '은교'는 그러한 존재의 대명사라 일컬을 만 하다. 비록 흰 목과 매끈한 다리, 가는 발목에서부터 시작된 호기심과 욕망의 대상이었다 할지언정 은교는 늙은 시인 이적요를 다시 젊어지는 꿈을 꾸며 창작열을 태울 수 있도록 만든 뮤즈가 되기에 충분했다. 하지만 그 늙은 시인은 자신의 나이든 육체가 사랑하는 상대방에게 기쁨이 되지 못할까 다가서지 못하고 남은 생을 포기하다시피 하면서 자신을 파멸시켜 가고 만다. 그리고 그가 저지른 잘못이라면 십대 소녀를 사랑한 것이 아니라 젊은 제자에게 돈과 명성 모든 걸 내주었으면서도 자신이 사랑하는 존재를 빼앗은 제자에 대한 분노는 이기지 못했다는 것이다. 그래서 그는 아마도 그 죄책감 때문에 남은 생을 지옥처럼 살아갈 것이다. 

젊음.

한 편 젊음은 위험하고 어리석으며 모자라고 탐욕적이다. 여물지 못한 손과 머리로 글을 쓰면서 늙은 선생 덕분에 소설가가 되고 팔자가 피게 되었지만 젊은 서지우의 속마음에는 늙은 시인의 껍데기로 살아 간다는 자격지심이 늘 자리하고 있다. 늙은 시인보다 자신이 갖고 있는 우월한 단 한 가지는 바로 젊은 몸뚱아리 뿐. 그래서 그는 자신의 아버지와도 같다고 여겼던 늙은 시인의 뮤즈를 자신의 몸뚱아리로 범하는 것으로 늙은 시인을 이기려고 한다.

 

처녀, 어린 아이, 은교.

 

어린 '여자' 은교는 거침이 없고 순수하고 맑으며 눈치를 보지 않는다. 서지우처럼 돈과 명성을 탐하지 않고, 나이든 존재에 거부감을 갖지 않으며 다만 자신에게 따뜻한 존재를 따를 뿐이다. 그저 자신에게 상냥하고 친절하며 가르침을 주고 자신을 예쁘게 보아주는 사람을 사랑해 버리는 백지 상태와도 같은 은교는 어린아이와 동일한 존재였기에 늙은 시인으로 하여금 가장 아름다웠던 한때를 떠올리게 하고 문학적 상상력이 꿈틀대도록 만들 수 있었다. 

 

 

나이든 수컷과 젊은 수컷 간의 자존심 싸움은 결국 비극으로 끝이 난다. 결국 아무도 원하는 것을 얻지 못한 채 영화는 끝난다. 서지우만 아니었더라면 어쩌면 늙은 시인은 꿈과 상상 속에서 얻은 젊은 육체를 가지고 그녀와 사랑을 나누는 것으로 만족하며 그렇게 행복할 수도 있었을 것이다. 하지만 문제는 추한 욕망에 사로잡힌 한 늙은이가 아니라 나이를 뛰어넘은 순수한 사랑(혹은 욕정)을 용납하지 못하는 '공대생'과 같은 사회가 존재한다는 사실이다. 칠십 먹은 노인과 여고생의 관계는 사랑이 아닌 추문에 불과하다고, 거울이 모두 똑같은 거울이지 선물로 받으면 뭐가 다르냐고 따지는 미성숙한 시선이 있다는 것이다. 설사 늙은 시인과 은교가 사랑을 이루게 되었다 하더라도 언젠가 늙은 노인이 떠나고 난 다음의 세상에서 은교는 이 공대생들의 사회에서 살아가게 될 것이다. 늙은 시인은 그런 은교가 염려되어서라도 자신의 마음을 끝내 묻고 말았을 것이다. 맨 마지막 장면, 등뒤에서 자신의 마음을 털어놓는 은교의 목소리를 들으며 입을 꼭 다문 채 숨죽여 흐느끼는 늙은 시인의 표정을 카메라는 오래도록 비춘다. 그 늙은 눈물이 어찌나 가슴아프던지..   

 

너희 젊음이 노력으로 얻은 상이 아닌 것처럼, 나의 늙음도 내 잘못으로 받은 벌이 아니다.

사람은 왜 늙기 전에는 우리가 젊다는 것을 고마워 할 줄 모르고 나도 늙어가고 있음을 외면하고 싶어할까. 은교가 자신에게 키스하려는 서지우에게 그 이유를 묻자 서지우는 '외로워서'라고 답한다. 또한 은교는 서지우와 섹스를 하며 여고생이 남자와 자는 이유가 '외로워서'라고 말한다. 하지만 늙은 시인에게는 아무도 '외롭지 않느냐'고 묻지 않는다. 늙음과 외로움은 늘 함께 하는 것이 당연하다고, 혹은 나이가 들면 외로워도 되는 것이라고 생각해서일 터이다. 나이듦을 바라보는 우리의 인식은 이렇게 '별'을 '별'로 보지 못하는, 가슴과 본능 안에서 시를 쓰지 못하는 '공대생'의 관념 속에 갇혀 있다. 이것이 이 세상의 수많은 서지우들이, 가질 수 없는 아름다움과 슬픔, 흰 발목과 가슴, 젊음에 대한 예찬과 갈망을 시로 쓰고 행복감을 느끼는 시인이 될 수 없는 까닭일 것이다. 

 

 

+ 박해일, 김무열, 김고은 세 배우의 파격 노출씬, 좀 충격적이긴 했지만 그래도 어른이 되고 나니 좋은 점이 단순히 노출씬을 보는 게 아니라 그 안에 숨겨진 행간을 볼 수 있게 됐다는 점이라고나 할까. ㅎㅎ 사실 야하게 하는 게 목적이었다면 다른 방법도 많았을 거 아니냐며. 그저 배우란 정말 대단한 존재라는 생각만 계속 들 뿐.

 

++ 사실 놀라웠던 장면은 배우들의 섹스신이 아니라 서지우가 탄 차의 교통사고 장면이었다. 오만한 젊음의 철저한 '파멸'을 보여 듯한 적나라한 사고 과정 묘사가 인상적이라는.

 

++ 소설 속 대사를 그대로 옮겨온 듯한 문어체 대사가 가끔 거슬리긴 하지만 그래도 영화 전체를 아우르는 '문학'적인 느낌 덕분에 좀 상쇄되는 듯. 영상이 참 예쁘다. 특히 은교와 젊은 박해일이 함께 달려가거나 서로 간지르는 장면 참 이쁘다. 저런 게 '젊음'이지 싶고. (아놔. 노인네처럼ㅡ.ㅡ;;)

 

 

 

 

 

 

이런 느낌의 화보들 너무 좋아. ㅎㅎ

 

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<코리아>

연출 : 문현성
주연 : 하지원, 배두나 

하나가 되는 것부터 우리에겐 도전이었다 

 1991년 대한민국에 탁구 열풍을 몰고 온 최고의 탁구 스타 ‘현정화’(하지원). 번번히 중국에 밀려 아쉬운 은메달에 머물고 말았던 그녀에게 41회 세계선수권대회를 앞두고 남북 단일팀 결성 소식이 들려온다. 금메달에 목마른 정화에겐 청천벽력 같은 결정! 선수와 코치진의 극렬한 반대에도 불구하고 강행된 초유의 남북 단일팀이 결성된다. 

 순식간에 ‘코리아’라는 이름의 한 팀이 된 남북의 선수들. 연습 방식, 생활 방식, 말투까지 달라도 너무 다른 남북 선수단은 사사건건 부딪히기 시작하고, 양 팀을 대표하는 라이벌 정화와 북한의 ‘리분희’(배두나)의 신경전도 날이 갈수록 심각해진다. 대회는 점점 다가오지만 한 팀으로서의 호흡은커녕 오히려 갈등만 깊어지고, 출전팀 선발은 예상치 못한 정국으로 흘러 가는데… 

 46일간의 뜨거운 도전이 시작된다!

있을 거 다 있는데 좀 심심하네

영화의 포스터와 제목이 모든 것을 말해주듯 영화 <코리아>는 잔꾀 없이 우직하게 나아가는 영화이다. 예전 <킹콩을 들다>와 <우리 생애 최고의 순간>, <국가대표>로 이어지는 비인기 스포츠 종목을 소재로 한 영화의 계보를 이어나감과 동시에, <코리아>라는 제목과 포스터의 비주얼만 보아도 우리는 영화의 내용과 감상 포인트를 짐작할 수가 있다. 그래서 어쩌면 너무나도 정직하고 순수한 (목표하는 바가 너무나도 명징한) 이 스포츠 영화가 오히려 일부 관객들에게는 불편한 요소로 작용할 수도 있겠다는 생각이 든다. <한반도>를 연상케 하는 애국심 자극용 제목도 그렇고 (물론 영화를 보고 나면 그 제목 외에 다른 선택의 여지가 없었을 것이라는, 가장 적합한 제목이라는 게 이해가 된다만) 지고지순한 스토리 라인이 단조로워서 딱히 꼽을 만한 매력이 없어 보이는 것도 사실이다. 탁구라는 스포츠 자체가 가진 긴장감이나 존재감을 살려주기보다는 철저히 인물의 감정선을 따라가는 데에 초점을 맞추기 때문에 영화의 결말이 주는 감동은 이미 관객에게 익숙한 종류의 것이다. 스토리는 충분히 드라마틱했으나 세련되지 못했다는 인상은 조금.

하지원. 처음부터 호감형은 아니었는데 어느새 신뢰감을 주는 배우로 자리잡은 듯. 

그러나 역시 스포츠 영화 특유의 감동 코드는 존재한다. 실화를 바탕으로 한 스토리에 더해진 남북의 화합 코드는 비상한 긍지와 자존감의 문제로까지 연결된다. 배우 하지원, 배두나가 완벽하게 재현해 낸 현정화, 리분희 선수의 액션만 보아도 이 영화가 얼마나 순수한 이상과 열정으로 만들어졌는지 알 수 있도록 한다. (싱크로율 100%란 표현은 이런 때에 쓰는 것!!) 특히 <더킹 투하츠>에서 북한 여성으로 나오는 하지원이 부산사투리와 표준말을 오가고 상대역인 배두나가 낮은 목소리로 평양사투리를 시크하고 읊조리는 장면을 볼 땐 묘한 재미가 있다. 또한 조연으로 등장하는 남북한 남녀 선수 간의 러브 스토리도 로맨틱 코미디를 보는 듯한 재미를 주기도. 좀더 애절하게 몰고 갈 수 있었겠지만 심각하게 보이길 원치 않았던 듯. 무엇보다 북한의 유순복 선수역을 맡았던 한예리의 수더분한 인상과 연기가 훨씬 현실적이면서도 가슴에 와 닿는 캐릭터로 남았다.

조금 아쉬운 면이 없진 않지만 그래도 남북 관계를 드라마틱한 구도 안에 담아 스포츠 정신을 통한 화해의 가능성에 대해 생각해 볼 수 있게 해준다는 지점에서만 보더라도 의미가 있었던 영화. 사실 영화가 아니었다면 몰랐을, 특히 젊은 관객이라면 더더욱 지나쳐 버리기 쉬운 역사 속 한 장면이니까.  

사상만 가로놓여 있지 않다면 저렇게 같이 얘기만 해도 좋은 친구가 될 수 있는 아가씨들인데.. 참.

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<인류멸망보고서>

연출 : 임필성 / 김지운 감독
출연 : 류승범, 고준희, 송새벽, 배두나, 봉준호, 윤제문, 진지희, 이영은, 류승수, 송영창, 김강우, 김규리, 김서형 등등... 

 인류멸망보고서 1. 피조물인 인간, 신의 영역을 넘보다! <천상의 피조물>

로봇이 인간의 노동을 대체한 미래. 천상사의 가이드 로봇 RU-4가 스스로 깨달음을 얻어 설법을 하는 경지에 이른다. 이를 인류에 대한 위협으로 간주한 제조사 UR은 해체를 결정하지만 그를 인명스님으로 부르며 숭배하는 승려들은 반대한다. 해체 직전, 일촉즉발의 순간, UR의 엔지니어 박도원(김강우)이 상부의 결정에도 불구하고 인명의 앞을 막아 서는데…

인류멸망보고서 2. 욕망의 끝은 섬뜩한 종말일지니…<멋진 신세계>

가족이 해외여행을 떠나고 홀로 남은 연구원 윤석우(류승범)는 소개팅 약속에 음식물 쓰레기를 분리 수거하지 않고 한번에 처리한 후 집을 나선다.킹카 (고준희), 맛있는 고기 요리, 즐거운 클럽. 온갖 유희 끝 그녀와의 달콤한 키스 현장을 덮친 고교생들을 괴력으로 응징한 석우의 몸에 이상한 변화가 온다. 거리를 뒤덮은 좀비의 물결, 광우병도 조류독감도 아닌 괴 바이러스의 정체를 캐는 매스컴의 호들갑도 무색하게 서울의 거리는 멸망으로 치닫는데…

인류멸망보고서 3. 그날 이후, 살아있음을 기뻐하라! 인류, 제2의 탄생 <해피 버스데이>

당구광 아빠의 8번 당구공을 부셔버린 초등학생 박민서(진지희)는 정체불명의 사이트에 접속, 당구공을 주문한다. 하지만 2년 후 당구공 모양의 괴 혜성이 지구를 향해 날아오기 시작하고 임박한 멸망에 민서 가족은 오타쿠 삼촌(송새벽)이 설계한 지하 방공호로 대피한다. 그리고 7년 후, 엄청나게 밝은 광채에 홀려 민서(배두나)는 용감하게 지상으로 향하는데…

우리나라에서도 은근히 SF영화가 꾸준히 나온다. <예스터데이>, <세기말> 등등 (기억도 잘 안 난다)... 그런 영화들을 전부 챙겨봤던 것도 아닌데 왜 <인류멸망보고서>를 보고 우리나라 SF 영화의 한계가 팍 느껴졌을까? 내가 느끼는 우리나라 SF 영화의 한계란 대체 뭐지? 자본의 한계? 상상력의 한계? 스토리텔링의 한계? ... 이 모든 한계를 담고 있는 듯한 영화. 

하지만 생각해 볼 지점은 던져준다. 아주 오랜 옛날 바벨탑을 쌓아 올리던 인간들을 신(하나님)이 벌했던 것과, 인간의 고유 영역인 '사고하는 능력'을 갖고자 하는 로봇을 처단하려는 인간의 모습이 오버랩되는 것은 물론이요, 그럼에도 불구하고 '피조물'이란 존재의 자유 의지를 허락한 '신'과 로봇의 자유 의지를 허락하지 않는 인간 간에는 여전히 엄청난 차이가 존재한다는 것. 결국 인간은 신도 따라가지 못하고 로봇을 끌어안지도 못 하고 그 사이에서 인간 고유의 존재 가치를 스스로 망가뜨리고 자멸하고 말 것 같다는 생각이 들었다. (음... 이 생각을 조금만 더 발전시키면 시나리오 하나 나올 듯.) 마지막 장면 김강우는 버려진 강아지 로봇을 주워다 수리하면서 자신의 팔에 심겨진 칩을 꺼내 강아지에게 이식한다. 이러한 행동은 자신의 갈빗대를 꺼내어 이브를 만든 아담이나(물론 아담 몰래 그렇게 한 건 하나님이지만) 태초에 '빛'을 만든 하나님과 다르지 않은 것이다. 내가 아닌 어떤 다른 존재를 창조한다는 행위 자체는 자신의 '필요'를 충족하고자 하는 욕망에서 비롯된 것이다. 왜 무언갈 만드냐고? 외로우니까. 심심하니까. 내 곁에 누군가 있으면 좋겠으니까. 그리고 주체는 피조물들에게 '동정심'과 '책임감'을 갖게 된다. 그랬는데 어느 날 갑자기 내가 만든 인간이 나에게 도전하고, 여친이나 애완견이 내게 대들어서 화가 나서 그들을 없애야겠다고 결론을 내렸다. 그렇다면 이러한 과정 안에서 일어나는 창조자의 감정의 흐름을 정리해 본다면 '심심함' -> 필요성에 의한 창조 (재미, 욕구 충족) -> 만족감 -> 분노 (자존심 상함 혹은 괘씸함) -> 후회나 자책감, 자성, 반성 등..  뭐 이 정도가 되지 않을까? 아, 그러고 보니 신이고 인간이고 다 참 유치하네. 

결국은 모든 것이 '욕망'의 문제인 것이다. 고기를 끊임없이 삼키고 끈적하게 키스하는 <멋진 신세계>의 남녀 주인공의 모습, 엄마 아빠가 도륙을 당한 판국에도 화장실에 숨어들어 시원하게 볼일을 보는 누나의 배설욕과 고장난 강아지 로봇을 고치기 위해 새벽 남의 집 문을 두드리는 <천상의 피조물> 속 소녀(조윤희)의 이기적인 행동까지... 인간이 욕망을 해소하기 위해 벌이는 행동들은 언제나 제 3자를 불쾌하게, 혹은 비이성적으로 만드는 면이 있다.

이 스틸 한 장만 보고도 시나리오 몇 편 나올 것 같아.  

음.. 어쩌다 (간만에) 리뷰가 또 산으로...ㅡ.ㅡ;; 다시 리뷰로. 

 <멋진 신세계>와 <해피 버스데이>는 공통적으로 발상은 좋았으나 스토리가 없는 소품으로 느껴졌다. 탐욕스럽게 먹을 것을 좇지만 밖으로 배출하는 것에는 신경을 기울이지 않는 인간들의 무성의함이 결국 인류 멸망을 가져오게 된다는 발상도 좋고, 인터넷으로 주문한 당구공이 어떤 알 수 없는 힘의 작용에 의해 괴행성이 되어 지구로 돌진해 와서 문명이 박살난다는 상상력도 좋지만... 무엇보다 영화 자체에 힘이 없다는 게 문제. 아.. 그렇다면 이것은 우리나라 SF의 문제가 아니라 '옴니버스'라는 포맷이 가진 한계, 아니 특징이라고 봐야 할지도 모르겠다. 

가장 재밌었던 건 영화에 짬짬이 등장하는 깨알같은 카메오와 단역을 맡은 배우들의 연기. 90분 토론에 등장한 봉준호 감독과 윤제문. 그들의 쇼가 나오는 스튜디오 시퀀스는 정말이지 시니컬하면서도 통쾌하고 신나게 웃겼다. 아... 차라리 이 영화가 독립영화관에서 개봉했더라면 더 애정어린 눈으로 보았을텐데... 암튼 <멋진 신세계>의 90분 토론과 <해피 버스데이>에서 지구상의 마지막 뉴스를 방송하는 스튜디오 장면이 이 영화 전체를 살린 듯 하다. 내용은 없어도 재기발랄함으로 깊은 인상을 남겼다는 게 나의 총평이랄 수 있겠는데 영화라는 게 꼭 내용이 있어야만 하는 건 아니니까. 좋은 측면에서 기억될 수 있다면 그것만으로도 영화의 가치는 충분... 그래서 결론적으로 이 영화는 내게 좋은 영화로 기억될 예정이라는.

음... 생각해 보니 좋은데?

해탈의 경지에 다다른 로봇 '인명'의 표정이 그야말로 예술임. 

좀비로 변한 류승범. 다시 볼수록 정말 돈 많이 든 영화였구나.. ㅠㅠ 

 어맛, 고준희 옷 예뻐라~ <건축학개론> 같은 (무난한) 역할보단 <해피 버스데이>의 단역 캐릭터가 훨씬 잘 어울리는 배우, 고준희.

각성하는 '로봇' 나오는 영화 
 

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아이,로봇 (2004)

I, Robot 

8.9

감독

알렉스 프로야스

출연

윌 스미스, 브리짓 모나한, 알란 터딕, 제임스 크롬웰, 브루스 그린우드

정보

액션, 미스터리, 스릴러, SF | 미국 | 110 분 | 2004-07-29

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로봇을 더 이상 독창적인 디자인으로 만들어 내는 것은 불가능한 건가.

 

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2001 스페이스 오딧세이

2001: A Space Odyssey 

8.2

감독

스탠리 큐브릭

출연

케어 둘리아, 개리 록우드, 윌리암 실베스터, 다니엘 리치터, 레오나르드 로시터

정보

SF, 어드벤처 | 영국, 미국 | 139 분 | -

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정말 로봇이 이 정도 수준 된다면... 공포스러운 게 당연하겠지.
로봇이 인간을 뛰어넘을까봐 무섭다면, 컨트롤할 자신이 없다면 만들지 않으면 될텐데...

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<배틀쉽>

감독 : 피터 버그
출연 : 테일러 키취, 리한나, 브룩클린 데커

지구를 지키기 위한 전쟁이 바다에서 시작된다!

전 세계 해군들이 한데 모여 훈련하는 림팩 다국적 해상 훈련. 해상 합동 훈련 첫날, 태평양 한 가운데에서 정체불명의 물체가 발견되고 쉐인 함장(리암 니슨)은 수색팀을 파견한다.

괴물체에 접근한 하퍼 대위(테일러 키취)가 몸체에 손을 가져다 댄 순간, 엄청난 충격과 함께 괴물체는 자신들을 보호하기 위한 거대한 장벽을 구축한다. 레이더도 통하지 않고, 부딪히는 순간 모든 걸 파괴시키는 엄청난 위력의 장벽을 시작으로 지구를 향한 대규모 선재 공격을 감행하는 외계의 존재들!

목적 조차 알 수 없는 그들의 엄청난 공격에 평화롭던 지구는 순식간에 초토화 되기 시작하고, 이들로부터 지구를 구하기 위해 육해공을 넘나드는 전 세계 연합군의 합동 작전이 펼쳐지는데…

정체를 알 수 없는 외계 존재와 전 세계 다국적 연합 군함의 전면전이 드넓은 바다 한가운데에서 시작된다!

진부함의 끝. 그런데 왠지 싫지 않아... ;;

<아마겟돈> 이후로 무수히 쏟아져 나온, 중고등학생 여름방학용 블록버스터의 계보를 잇는 최신작!
정도면 이 영화를 정확하게 표현하는 문구가 될 듯.
지구를 침공한 외계인과 고립된 채 맞서 싸우는 주인공. 그 주인공이 사회로부터 별종 취급을 당하던 괴짜였으나 위기 속에서 용맹함과 저돌적인 똘끼가 진가를 발휘하여 결국 인류를 구하는 영웅이 된다는... 그냥 거기에서 한 치도 벗어나지 않는 엄청나게 진부한 영화.
그럼에도 불구하고 이 영화 꽤 볼 만 했다고 느꼈던 이유는 단 하나. 지치지 않고 이런 영화를 찍어내는 할리우드의 기술력을 확인하는 의미 정도라고나 할까. 스케일과 정교한 CG 만큼은 입을 벌리고 볼 만 하지만 스토리고 캐릭터고 다 집어 던지고 결말을 향해 달려 나가는 영화의 뚝심이 감탄스러울 정도. 영화에서 줄창 이어지는 스펙터클과 비주얼보다도 영화 초반에 남자 주인공인 '알렉스'(테일러 키취)가 '샘'(브룩클린 데커)을 보고 반해 치킨 브리토를 사기 위해 고군분투하는 장면 10분 정도가 오히려 재미있고 신선했는데 피터 버그 감독의 데뷔작이 <베리 배드 씽>, 주요작품이 <핸콕>이었다는 걸 알고 고개를 끄덕이기도. 그냥 이 분은 블록버스터보다는 깨알같은 재미를 주는 액션 코미디를 하시는 게 낫지 않을까...싶더라는.

'제 3의 적' 앞에서는 화해만이 살 길

태평양은 과거에 일본과 미국이 세계대전에서 피터지게 싸웠던 곳. 영화에서도 림팩 해상훈련에 참가한 미군, 일본군 대표로서 라이벌 구도를 이루는 알렉스와 나가타(아사노 타다노부)는 서로에게 적대심을 갖는다. 미국은 일본이 얍삽하고 치밀하다고 비꼬고 일본은 미국이 융통성없고 동양문화에 무지하다고 생각한다. 하지만 (당연하게도) 제 3의 적(외계인)이 나타났을 땐 한 때 적이었던 그들이 서로 화해하고 힘을 합쳐 그들을 막아내게 된다는 영화의 주요 골자를 보며 내부 단합을 다지기 위해서는 외부의 침입이라는 설정만큼 유용하고 간편한 게 없구나 싶었다. 마치 요즘 드라마 <더킹투하츠>에서 남한과 북한이 'M'이라는 다국적 군사복합체 회사를 이끄는 싸이코(윤제문)의 공격에 맞서 힘을 합쳐 싸우듯이. 

그러나 태평양 연합군을 위협하는 외계인들 치고는 그 존재감이 너무 미약했다는 것도 좀 아쉽다. 물론 가공할 만한 파괴력을 지닌 최첨단 무기들은 등장하지만 외계인이라는 생명체 자체에 대한 비주얼적 상상력은 빈약 그 자체였는데 <아메리칸 싸이코>에서 크리스천 베일 같은 싸이코 패스 한 명이 주는 공포보다도 외계인 십 수명이 갖는 존재감이 미미하더란 것. 외계인이 극단적으로 악해 보이거나 카리스마가 없으니 긴장감이 확 떨어질 수 밖에. <디스트릭트9> 이후로 더이상 영화 속에서 정말 쇼킹한 (생김새의) 외계인을 만나보기란 어려워 진 듯. 외계물체가 내는 주파수 높은 소음이나 <우주전쟁>에서 문어발 우주선이 내던 금속성 사운드도 식상하고 언제나 지구인보다 머리가 나쁘다는 것도 좀 김이 샌다. 

이 정도면 그럭저럭 ;;

그럼에도 불구하고 이 영화, 돈이 아깝진 않다고 과감히 말할 수 있는 이유는 시나리오고 캐릭터고 다 팽개쳐도 그 정도 스펙터클이면 영화 본 보람이 없진 않다고 말할 수 있을 거 같아서. 결말도 뻔하고 새로울 것 하나도 없고 기대도 안 하지만 이상하게 그런 영화를 볼 땐 꼭 두 시간 동안 온 몸에 힘 빡 주고 보게 되더라는. 그리고 한국 영화 관객으로서 그런 영화는 일 년에 한 편쯤은 보고 넘어가 주는 게 당연한 듯 뭐 응당 해야 할 일을 한 것 같은 느낌까지 든다고나 할까... 허허.

+ 요런 스펙터클. 솔직히 아직까진 한국 영화에서 보기 힘들잖아. 사실 할리우드 블록버스터에 그 이상 기대하는 것도 없고. 

++ '리한나'는 영화에서 자세히 처음 봤는데 엄청 매력있게 생겼네. ;; 이참에 앨범까지 덩달아 찾아 듣고 있다.
반면 남자 주인공인 테일러 키취는 어쩜 그리 매력이 없어!! 아욱.

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<이창>

감독 : 알프레드 히치콕
출연 : 제임스 스튜어트, 그레이스 켈리

사진 작가인 제프리스는 촬영 도중 다리가 부러져 휠체어에서 꼼짝할 수 없는 처지이다. 무료함을 견디지 못하는 그는 자신의 그리니치 빌리지에 있는 독신자 아파트에서 뜰 건너편에 사는 사람들의 행동을 관찰하는 것으로 시간을 보낸다. 어느날 건너편 아파트에 사는 한 사람이 아내를 살해한 것으로 의심받을 만한 짓을 한 것을 본 그는 이를 모델인 애인 리사와 친구인 형사 도일에게 말하지만 아무도 그의 말을 믿지 않는다. 그러나 결국 그의 의심이 전혀 근거없는 것은 아니라는 것을 알게 된 리사와 간호부 스텔라는 그의 지시에 따라 범행의 증거를 찾아 나선다.

발랄함 + 로맨스 + 서스펜스를 한 번에 갖춘 작품.

영화에 나오는 장면이라고는 깁스를 한 다리 때문에 창 밖을 내다보는 것으로 소일거리를 하는 주인공 남자(제프리, 제임스 스튜어트 분)의 작은 아파트와 건너편으로 바라다 보이는 창문 속의 인물들의 일거수 일투족이 전부. 카메라는 주인공의 방 안을 한 번도 벗어나지 않으며 오로지 주인공과 그의 여자친구(리사, 그레이스 켈리 분), 가정부가 나누는 대화로 모든 살인사건을 상상하도록 만든다. 관객은 제프리가 망원경으로 훔쳐보는 건너편 건물에 사는 사람들의 사생활을 훔쳐보는 행위에 동참하다가 조금씩 수상한 행동을 보이기 시작하는 한 중년남자가 정말 아내를 죽였을까를 궁금해 하다가 종내는 제프리의 여자친구 리사가 건너편 아파트에 주거침입 하는 장면을 지켜보며 그 사이 중년남자가 집으로 돌아올까봐 가슴을 졸이게 된다. 특히 리사가 연행된 이후 어두운 방에 혼자 남겨진 제프리의 방을 향해 다가오는 중년남자의 발자국 소리가 들려오는 장면은 이 영화 절정의 서스펜스를 맛볼 수 있는 부분! 

맙소사. 이러한 가슴졸임과 극도의 긴장감을 그야말로 대사빨, 즉 등장인물들의 말빨로만 빚어내는 연출력이라니! 서스펜스의 대가 히치콕의 명성을 다시한번 실감케 한 작품. (여지없이 그는 작품 속에 본인의 모습을 드러낸다.)

관음증 VS 호기심

이웃을 관찰하는 주인공 제프리의 행동은 오늘날 같으면 범죄로 취급받아 마땅한 행동이지만 이 영화 속에서는 나름대로 이웃에 대한 애정과 관심인 양 그려지고 있다. 하지만 외로워 보이는 독신 여성이 자살할까봐 걱정하기도 하고 기르던 개가 죽어 슬퍼하는 부부의 눈물에 안타까워 하는 주인공들의 모습이 그다지 나빠 보이지만은 않는다. 벽 하나를 사이에 두고 위 아래, 옆으로 이웃해 살고 있지만 서로의 일에 무관심한 현대 도시인들의 모습을 생각해 본다면 그래도 이웃의 일상에 관심을 갖고 호기심을 가진 제프리 덕에 묻혀질 뻔 한 살인 사건이 해결되었으니 그 정도 '인간적인' 관음증은 어느 정도 용인되어도 좋지 않겠느냐... 하는 감독의 메시지로 읽히기도. 바로 옆집에서 사람이 죽어도 모르는 것이 요즘 도시 사람들의 생활이란 점을 상기해 본다면 그래도 누군가 나를 관찰해 주고, 위험에 빠졌을 때 경찰에 연락해 줄 수 있는 사람이 있다면 고마워 해야 할 노릇인지도 모른다. 생각해 보니 좀 서글프면서도 섬찟한 도시 인생. ㅠ

히치콕의 여성 캐릭터의 재발견, '리사'

심각한 살인사건이지만 제프리와 여자친구 리사가 티격태격하거나 가정부의 거침없는 입담을 보는 순간 만큼은 이 영화가 스크루볼 코미디인가 싶기도 할 만큼 대사가 찰지다. 또한 주인공의 끈질긴 집착과 호기심이 도가 지나친 것이 아닌가도 싶지만 모든 것은 그의 직업이 기자라는 점에서 명분을 얻는다. (빈틈이 없어!) 그리고 가장 마음에 드는 건 그를 사랑하는 여자친구 리사의 캐릭터인데 화려한 삶을 동경하는 된장녀 같은 이미지로 등장하지만 마지막에는 사랑하는 남자의 가치관과 관심사에 완벽히 일체되는 경지를 보여주고 만다. 과연 저 여자가 날 위해 삶의 일부분을 포기할 수 있을까 하는 '자신(만)이 특별하다'고 믿는 남성의 우월감과 의구심을 확실하게 해소해 준다는 설정이 꽤 멋지다. 다리를 다쳐 행동반경에 제약이 생긴 남성이 몸을 움직이지 못할 때 그를 대신해, 아니 오히려 그를 넘어서는 여성 특유의 수완과 재치, 상상력이 사건을 해결하는 데에 결정적인 역할을 하다니. 그의 영화를 다 보진 못했지만. 리사는 그의 다른 영화 속에 나오는 금발 여인들과 전혀 다른 여성상인 듯.영화의 마지막 부분에서 양쪽 다리에 깁스를 한 남자 친구가 잠든 사이 슬쩍 패션잡지를 꺼내 드는 리사의 모습과 '리사...'라는 가사의 음악이 겹쳐지는 장면에서는 알프레드 히치콕이 로맨틱 코미디를 연출했더라면 얼마나 잘 했을까 하는 생각까지 들었다. 히치콕은 서스펜스뿐만 아니라 그 시대에 여성을 정확하게 이해할 수 있었던 희귀한 감독이 아니었을까... 아, 정말 히치콕의 재발견이다.

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<언터처블 : 1%의 우정>
감독 : 올리비에르 나카체 / 에릭 토레다노
출연 : 프랑수아 클루제 / 오마 사이

상위 1% 귀족남과 하위 1% 무일푼이 만났다. 2주간의 내기로 시작된 상상초월 특별한 동거 스토리

하루 24시간 내내 돌봐주는 손길이 없으면 아무 것도 할 수 없는 전신불구의 상위 1% 백만장자 필립(프랑수아 클루제). 어느 날 우연히, 가진 것이라곤 건강한 신체가 전부인 하위 1% 무일푼 백수 드리스(오마 사이)를 만나게 된 그는 거침없이 자유로운 성격의 드리스에게 호기심을 느껴 특별한 내기를 제안한다. 바로 2주 동안 필립의 손발이 되어 한시도 떨어지지 않고 자신을 간호하며 버틸 수 있는지 시험해보겠다는 것. 참을성이라곤 눈꼽 만큼도 찾아 볼 수 없던 드리스는 오기가 발동해 엉겁결에 내기를 수락한다. 이렇게, 전혀 어울릴 것 같지 않던 극과 극, 두 남자의 예측불허 기막힌 동거가 시작 되는데…

비극도 웃게 만드는 빛나는 유머

'장애', '죽음' 등 우리가 살면서 겪고 싶지 않은, 보고 싶지 않은 것들을 영화 안에서는 이토록 유쾌하게 그려내는 것이 가능하다. 실화를 바탕으로 하여 만들어졌다는 이 영화는 상위 1%와 하위 1%의 두 인생이 만나 진심으로 우정을 나누게 되어 가는 과정의 이야기를 그리고 있다. 그냥 언뜻만 보아도 지금까지 전혀 다른 삶을 살아왔을 것 같은 두 명의 남자는 자신들의 삶에 나타난 서로의 존재에 호기심을 느끼고 아픔을 치유해 주며 마음을 열게 된다. 영화에서 주로 웃음을 주는 것은 흑인으로 그려지는 드리스( )이다. 전신마비에 걸린 남자에게 못된 농담과 장난을 하나 싶지만 그는 필립( )의 말마따나 그를 유일하게 정상인 취급하는 솔직하고 자유분방한 성격의 소유자였다. 불우한 환경에서 살아왔고 글도 잘 모르고 예술은 더더욱 모르지만 기본적으로 자신의 도움을 필요로 하는 사람을 진심으로 도울 줄 알았던 드리스. 그에게 모든 것을 맡긴 채 그의 숨겨진 재능과 심성을 발견하고 세상에 좀더 그 존재감을 드러낼 수 있도록  이끌어주었던 필립. 제목의 부제에 달린 '1%'란 말은 상류층 1%와 하류층 1%가 만났다는 의미에서 쓰였겠지만 그들은 서로에게 없는 1%를 채워주는 친구들이나 마찬가지였다. 차분하게 사물을 관찰하고 의미를 부여하는 필립의 모습을 본 드리스는 좀더 진지하게 자신의 재능을 시험하거나 새로운 일에 도전하게 되고, 필립은 자신의 장애가 부끄러워 사고 이전의 사진을 펜팔 여성에게 보냈지만 결국 그의 모습을 있는 그대로 받아들여줄 수 있는 여인의 마음과 마주하는 기회를 얻게 된다.

또 영화 속에서 흥미롭게 그려지는 것은 바로 '고급'예술과 '대중'예술의 대립이다. 필립과 오페라를 함께 보러 간 드리스가 나무 분장을 한 가수를 보며 웃음을 터뜨리거나 비발디의 '사계'를 들으며 전화 안내 방송 멘트를 흉내내는 등의 가식없는 행동은 '못 배운 티'를 내는 사람과 그런 사람을 경멸하는 부류를 극단적으로 표현하는 우리나라의 몇몇 미성숙한 컨텐츠들과는 사뭇 다르게 다가온다. 필립의 생일파티에 초대된 교향악단 앞에서 '어스 윈드 앤 파이어(Earth Wind and Fire)'를 틀어놓고 신나게 춤을 추는 드리스의 모습은 주변의 모든 점잔빼던 사람들을 춤추게 만든다. 예술에 대한 기호와 엄격함, 자부심이 남다른 프랑스 관객들에게도 가장 큰 카타르시스와 신선함을 안겨준 장면이 아니었을까.

영화의 실제 주인공인 '필립'과 '에브댈'도 지금 각각 행복하게 살고 있다는 내용의 애버 애프터식 마무리도 가슴 찡하다. 신분의 격차라고는 할 수 없지만 어쨌든 너무나도 다른 태생을 가진 사람들끼리 어떻게 서로 긍정적인 기운과 영향을 주고 받을 수 있는지를 경쾌하게 그린 영화. 장애인에 대한 편견이나 이유를 알 수 없는 동정심 같은 것도 왠지 사그라드는 기분이다.

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언터처블 : 1%의 우정 (2012)

Untouchable 

9.2

감독

올리비에르 나카체, 에릭 톨레다노

출연

프랑수아 클뤼제, 오마르 사이, 앤 르 니, 오드리 플뢰로, 클로틸드 몰레

정보

코미디, 드라마 | 프랑스 | 112 분 | 2012-03-22

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한핏줄 영화들 

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씨 인사이드 (2007)

The Sea Inside 

8

감독

알레한드로 아메나바르

출연

하비에르 바르뎀, 벨렌 루에다, 롤라 두에냐스, 마벨 리베라, 셀소 부가요

정보

드라마 | 스페인, 프랑스, 이탈리아 | 125 분 | 2007-03-15

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전신마비 환자가 등장하는 영화. 조금 우울하긴 하지만... 장애인의 인간답게 죽을 권리에 대해 깊이 생각해 보게끔 한다.

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버킷리스트: 죽기전에 꼭 하고싶은 것들 (2008)

The Bucket List 

8.9

감독

롭 라이너

출연

잭 니콜슨, 모건 프리먼, 션 헤이즈, 비벌리 토드, 롭 모로우

정보

드라마, 코미디 | 미국 | 96 분 | 2008-04-09

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신분, 아니 소득차를 뛰어넘은 두 노인네의 우정. '우정'이란 그 어디에서든 '오픈 마인드'만 있다면 성립 가능한 것.

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디센던트 (2012)

The Descendants 

8.1

감독

알렉산더 페인

출연

조지 클루니, 쉐일린 우들리, 아마라 밀러, 주디 그리어, 매튜 릴라드

정보

코미디 | 미국 | 115 분 | 2012-02-16

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뜻하지 않은 아내의 사고!

그 동안 몰랐던 가족의 비밀을 알게 된 남자의 이야기!

잘 나가는 변호사 맷(조지 클루니). 그의 아내가 어느 날 보트사고로 혼수상태에 빠진다. 아내의 사고에 절망한 맷은 막내 딸과 함께 기숙사에 있는 큰 딸 알렉산드라(쉐일린 우들리)에게 엄마의 상태를 전하러 가지만, 그간 일에 매달려 가족에게 소홀했던 사이 부쩍 커버린 딸들과의 소통이 법정에서의 변론보다 어렵다. 엎친 데 덮친 격으로 큰 딸은 아내가 다른 남자를 만나고 있었다고 맷에게 고백하는데…

평온하다고 생각했던 한 남자의 인생에 갑작스럽게 들이닥친 딜레마!

그의 예측할 수 없는 여정이 시작된다!

갑작스러운 누군가의 죽음이 가져온 슬픔과 절망, 그것을 받아들이기 위해 서로 다독이며 살아가는 남은 가족들의 적응기를 다룬 영화는 많다. 하지만 여전히 영화를 보는 우리들에게 (남의) 가족에 닥친 슬픔은 멀기만 한 일이다. 하지만 그럼에도 '죽음'은 언제나 우리 가까이에 있으며 누구나 겪어야 하는 통과의례 같은 일이기도 하다.

조지 클루니가 주연한 영화 <디센던트> 역시 아내가 살아있었을 때 미처 몰랐던 가족 구성원 하나하나의 소중함과 소통의 중요성을 깨달아가는 이야기를 다루고 있다. 이 영화가 기존에 '죽음'을 다루었던 영화들과 다른 점은 극중 배경이 바로 '하와이'라는 점이다.

'하.와.이.'. 365일 야자수가 푸르게 우거져 있는 이미지의 휴양지, 모두가 언제나 훌라춤을 추며 요들송을 부르고 보트를 즐기고 있을 것만 같은 바닷가가 단박에 떠오르는 섬. 하지만 그 곳에도 생로병사가 존재하고 가족 간의 갈등과 오해가 끊이지 않는, 그런 평범한 사람이 살아가고 사건, 사고도 가끔 일어나는 공간이기도 하다. 영화는 아내의 혼수상태에서 죽음으로 이어지는 동안 그간 몰랐던 가족 간의 오해와 비밀이 밝혀지면서 맷(조지 클루니)과 딸들과 함께 좌충우돌하며 다시 일상으로 돌아가기까지의 에피소드를 그리고 있다. 

가족의 비극을 그리는 데에 그 배경이 '하와이'로 설정된 데에는 다 이유가 있는 것이다. 꽃남방을 입고 슬리퍼에 반바지를 걸친 사람들이 등장해 '죽음'과 '불륜'에 대해 이야기하는 데 풋 웃음을 터뜨리지 않을 방도가 없는 것이다. '하와이에도 슬픔이란 것이 있다!'라고 극중 주인공은 주장하지만 그래도 영화에 담긴 하와이라는 대상의 특성들은 관객의 기대를 심하게 흔드는 대신 그 땅의 역사와 그 곳의 주민들, 성향을 다른 시각에서 돌아볼 수 있도록 만들어 준다. 죽음이란 것도 그런 것이 아닐까. 그것을 어떻게 받아들이고 이겨나가느냐에 따라 남아 있는 사람들의 관계를 좀더 단단하게 만들어 줄 수도 있는, 몰랐던 소중한 존재들을 다시 돌아볼 수 있는 계기로 작용할 수도 있는 긍정적인 기회. 물론 사랑하는 사람과의 영원한 이별이 유쾌해 진다는 것에는 한계가 있겠지만, 어쨌든 남은 사람들은 계속 살아가야 하니까 말이다.

병상에 누워 죽어가고 있는 아내를 바라보며 간절한 마음으로 기도를 하다가 바람 피운 사실을 알고 화를 내는가 하면, 커가는 딸들을 어떻게 대해야 할지 몰라 난처해 하기도 하는 맷의 모습은 가정에서의 위치를 잃어버린 우리나라 대부분의 가장들의 모습을 떠올리게도 한다. 하지만 그는 솔직하면서도 어른스러운 태도로 위기에 대처해 나간다. 특히 반항적인 큰 딸과 사사건건 부딪히는 듯 싶다가 엄마의 내연남을 찾아가 복수 아닌 복수를 하는 과정에서 딸과 묘하게 협력하게 되는 과정을 보고 있으면 역시 가족 간에 이해와 협상(?)을 통해 해결하지 못할 이유는 없다는 진리를 다시 한번 깨닫게 된다. 그리고 알렉산더 페인의 유쾌한 연출은 가족이 앞으로도 웃으며 살아갈 수 있을 거라고 관객을 안심시켜 주는데에 큰 역할을 한다. 물론 오랜만에 진지한 역할을 벗어난 조지 크루니의 코믹 연기도 볼 만하다. 은발의 꽃중년도 귀여울 수 있다는 사실을 나는 조지 클루니의 영화를 보면서 가끔 깨닫곤 한다. ;;

이 영화 보고 나니 생각나는 영화들 아들의 방 (2001) The Son's Room  7.8 감독 난니 모레티 출연 난니 모레티, 로라 모란테, 야스민 트린카, 쥬세페 산펠리체, 소피아 비글리아 정보 드라마 | 이탈리아 | 96 분 | 2001-11-02 아들의 죽음을 받아들이기 위해 서로를 다독이는 부부의 모습. 미스 리틀 선샤인 (2006) Little Miss Sunshine  8.9 감독 조나단 데이톤, 발레리 페리스 출연 그렉 키니어, 토니 콜렛, 스티브 카렐, 폴 다노, 아비게일 브레스린 정보 코미디, 드라마 | 미국 | 101 분 | 2006-12-21 미스 리틀 선샤인에 출전하는 막내딸을 위해 온 가족이 출동하여 길을 떠나는 골때리는 로드무비.

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“내 과거의 사랑은 비록 모두 실패로 끝났지만 아직도 사랑은 유효하다”

 완벽한 여인을 찾아 헤맨 나머지 31살 평생 제대로 된 연애 한번 해 보지 못한 소설가 구주월(하정우). 그런 그의 앞에 모든 게 완벽한 여인 희진(공효진)이 나타난다. 첫 눈에 그녀의 포로가 되어 버린 주월은 모든 수단을 동원하여 희진을 자신의 여자로 만들기 위해 애쓴다. 그런 주월의 순수하고 귀여운 모습에 희진도 조금씩 마음을 열기 시작한다.

 “내 사랑, 널 위해서라면 폭발하는 화산 속으로도 뛰어들 수 있을 것 같아”

 드디어 시작된 그녀와의 연애! 그녀를 위해서라면 목숨도 아깝지 않은 주월은 끓어오르는 사랑과 넘치는 창작열에 마냥 행복하기만 하다. 그러나 시간이 갈수록 그녀의 괴상한 취미, 남다른 식성, 인정하기 싫은 과거 등 완벽할 거라고만 생각했던 희진의 단점이 하나 둘씩 마음에 거슬리기 시작하는데...

 “그런데… 하나만 물어보자. 도대체 내가 몇 번째야?”

 하나부터 열까지 쿨하지 못한 이 남자, 모든 고비를 이겨내고 평생 꿈꿔왔던 연애에 성공할 수 있을까?

영화를 다 보고 난 후 '아~ 재밌었다'로 끝나지 않고 '도대체 이런 영화를 만든 사람이 누굴까?' 하고 궁금해지도록 하는 영화가 있다. 바로 이 영화가 그런 영화에 속할 텐데 나는 <러브픽션>의 전계수 감독의 전작 <삼거리극장>을 너무나 잘 기억하고 있다. (내손을 거쳐 간 몇 안 되는 한국영화 중 한 편이었기 때문에.. 흙.) 그의 독특한 상상력이 고풍스러움을 간직한 오래된 극장에서 오슬오슬 피어 올랐던 <삼거리극장>의 음습한 비주얼은 <러브픽션>의 첫장면에서 고스란히 재현된다. 과장된 성우 연기와  더빙 영화 특유의 신음(?)소리, 앤틱한 분위기, 웃기긴 한데 웃어야 할지 말아야 할지 애매모호한 분위기로 시작하는 <러브픽션>은 끝까지 줄곧 범상치 않은 분위기를 이어나간다. 

누누히 이야기하지만 로맨틱코미디의 새로운 소재란 있을 수 없다. 다만 배우와 새로운 캐릭터가 있을 뿐. 그런 의미에서 하정우와 공효진을 커플로 묶어 구경할 수 있게 된 한국 영화 관객은 행복한 존재들이라고 할 밖에.  비록 그들의 연애사는 진부하고 중간에 지루할 뻔 하기까지 하지만 어쨌든 결과적으로 이 영화를 '방울방울'스러운 영화로 기억할 수 있게 만드는 건 모두 이 두 배우의 힘과 톡톡 튀는 시나리오 덕분일 게다. 겨털을 기르는 취향을 가진 애인에게 잘 보이기 위해 '내가 털을 얼마나 좋아하는데~ 난 모자도 '털'모자만 쓰고 만두도 '털'보 만두만 먹고 성격도 '털털'하단 소릴 들어. 게다가 우리집 티비도 디지'털'이야~'라는 멘트를 좔좔 읊어대는 캐릭터 '구주월'을 연기할 수 있는 배우는 오직 하정우, 소녀 시절 흰 타이즈 입고 참외같은 똥을 쌌던 이야기를 아무렇지 않게 친구들 앞에서 늘어놓는 여자 '이희진'을 소화할 수 있는 여배우는 오직 공효진뿐이라는 걸 감히 부인할 사람이 있을까. 어떠한 역할을 맡아도 싱크로율 100%를 보이는 하정우이지만 특히 찌질하고 소심하면서도 순수해서 미워할 수 없는 '남동생' 같은 남자친구 역할이 정말 그에겐 딱 어울린다. 공효진 역시 묘하게 현실감을 주면서 부담감은 줄여주는 외모를 통해 진짜 대충, 힘 안 들이고 하는 것 같은데도 너무 리얼하게 보이도록 연기하는 재주를 지닌 여배우. 이 두 배우와 엽기적인 시나리오 조합이라니, 주목하지 아니 할 수 없지 않은가!

연애편지가 이 정도는 되어야 가슴벅찬 리플라이를 기대해 볼 수 있잖겠소!

사랑이 심드렁해지는 순간, 생각만 해도 슬프..

++지진희도 은근한 사차원 배우 중 한 명. 대체 무슨 연유로 이 영화에 저런 역할로 특별출연한 걸까. ㅋ 너무 좋아.

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댄싱퀸

개봉 : 2012.1.18
감독 : 이석훈
출연 : 황정민 / 엄정화

서울 시장 후보의 아내가 댄싱퀸?!
 “혹시 가수 해 볼 생각 없어요?”
 왕년의 신촌 마돈나 정화 앞에 댄스 가수가 될 일생 일대의 기회가 찾아온다.
 하지만 오랜 꿈을 향한 도전의 설렘도 잠시, ‘서울 시장 후보로 출마하게 되었다!’는 남편 정민의 폭탄 선언!
 서울 시장 후보의 부인과 화려한 댄싱퀸즈의 리더 사이에서 남편도 모르는 위험천만, 다이나믹한 이중생활이 시작된다?!

이 영화는 기대했던대로 황정민과 엄정화의 영화였다. <내 생애 가장 아름다운 일주일>에서 어리숙한 형사와 당당한 여의사로 나와 티격태격하는 커플을 연기했던 황정민과 엄정화의 연기 호흡을 다시 스크린에서 만나고 싶어 한 사람들이 역시 많았던 듯. 두 사람의 실제 이름을 극중 인물의 이름으로 사용했을 만큼 두 사람의 개성과 캐릭터가 뚜렷하게 살아났고 그만큼 싱크로율 100%의 연기를 볼 수 있었던 영화.

어디서 많이 본 듯한 친숙함

이 영화는 <내 생애...> 외에도 지금까지 보아온 수많은 영화들을 떠올리게 만든다. 댄스가수가 꿈인 엄정화가 영화 초반 '신촌 마돈나'로 디스코텍에서 화끈한 무대를 선보인다거나 영화의 마지막에서 성인돌 '퀸즈'가 화려한 데뷔무대를 갖는 장면이 찡한 감동을 안겨주는 몇몇 순간들이 <미녀는 괴로워>나 <드림걸즈>를, 이후 신촌 골목에서 시위를 하는 운동권 학생들 틈에서 경쾌한 음악을 배경으로 군경에 쫓기는 모습을 보여주는 장면이 <써니>를 꼭 닮았다. 전당대회처럼 군중이 모인 틈에서 남녀가 눈물의 포옹을 나누는 장면이야 말할 것도 없이 수많은 작품에서 보아왔던 장면이고.(그럼에도 번번이 감동받고 눈물을 짜게 되는 이유를 나는 정말 모르겠다만) 결론은 한국사람들이 감동을 받는 코드들이 전부다 반영되어 있다는 게 이 영화의 기획 포인트이자 장점.
그러고 보면 그동안 개봉했던 한국 영화 중 춤과 노래를 곁들인 장면이 들어간 영화 치고 흥행에 실패한 작품이 별로 없는 것 같기도 하다. 물론 그냥 화려하기만 한 무대를 그리는 것에 그치지 않고 콤플렉스를 극복하고 자신의 꿈을 위해 매진하는 캐릭터가 등장하여 인간승리의 요소를 더한다는 가정 하에. <미녀는 괴로워>와 <복면달호>가 그랬던 것처럼. 또한 이 땅의 주부들이 남편과 아이들 뒷바라지 때문에 잃어버렸던 자신의 정체성을 되찾아간다는 자기 도전 스토리에 <써니>와 <댄싱퀸>에서처럼 소위 잘나갔던 우리 엄마들의 과거, 즉 80년대를 디스코 음악을 배경으로 버무려 신나게 묘사한다는 설정도 세대 간에 고른 지지와 공감을 불러 일으키는 데에 효과적이라는 사실이 입증되었는지 요즘 영화를 통해 자주 볼 수 있는 장면들이다.

댄스가수 > 서울시장

더불어 이 영화의 가장 큰 묘미는 엄정화와 황정민이 각자 자신의 꿈을 위해 나아가는 모습을 정확히 두 갈래로 나뉘어 보여진다는 점이다. 이 영화에서 서울시장에 도전하는 남편과 (여성)댄스가수에 도전하는 그의 아내라는 설정은 그 자체로도 드라마틱한 상상을 불러 일으킨다. 그러한 지점에서 이 영화의 과제는 두 사람의 꿈을 균형있게 그려야 한다는 점이었을 터. 그러나 보라. 영화의 제목은 <시장과 (여)가수>가 아니라 <댄싱퀸>이다. 제목이 암시하듯 영화는 두 사람을 정확히 같은 비중으로 실어내는 것보다 좀더 대중적으로 어필할 수 있는 꿈에 그 무게를 싣기로 결정했음을 알리고 있다. 내용 면에서도 황정민의 시장되기 스토리는 엄정화의 댄스가수 도전기에 비해 다소 밋밋해 보이는 것이 사실이다. 물론 황정민이라는 인물의 캐릭터도 확실하고 그가 시장이 되어가는 과정에도 나름대로의 개연성 부여되고 있다는 것은 부인할 수 없지만 두 사람이 각자의 꿈을 이루어가는 과정에서 조금 차이가 발견된다. 엄정화가 '신촌 마돈나'라 불리던 20대 초반부터 그녀의 꿈과 재능이 확실하게 증명(!)되었던 것에 비해 황정민은 어린 시절 꿈이 '대통령'이었다는 설정으로 그 출발이 다소 약하게 느껴진다. 두 사람 모두 꿈을 이루는 것을 도와준 조력자가 있었고 자랑스러운 엄마, 자랑스러운 사위가 되고 싶다는 욕망 또한 동일하게 존재했다. 하지만 엄정화는 자신이 직접 부딪혀 가며 모든 희생을 감수하며 꿈을 이루어 가는 능동적인 캐릭터로 그려진 것에 비해 황정민은 등떠밀려 지하철 선로에 떨어진 사람을 구했다거나 하는 운에 의해 인정받게 된 케이스라는 점에서 그 차이가 발생하는 것이다. 그리고 황정민이 TV 토론회에 나가 보여준 모습은 성실하고 솔직한 서민 이상의 카리스마를 보여주지 못하고 있다. 물론 그가 육아정책과 서민정책에 대해 관련하여 일장연설을 펼치는 장면이 사뭇 감동적이며 공감대를 불러일으키는 것은 사실이나 그 '공감' 이후 실질적인 '대책'을 제시하지 못하는, 정치인으로서는 전혀 준비되어 있지 않은 모습이 역력하다. 실제라면 그는 아마도 가슴만 뜨거운, 무능한 정치인이 되기 쉬워 보인다. 그래서 영화는 당연하게도 꿈을 이룬 엄정화와 여전히 꿈에 매진하는 황정민, 행복한 두 사람의 모습에 초점을 맞추는 것으로 무난하게 마무리된다.

물론 영화는 영화일 뿐. 황정민은 시장 이전에 착한 남편, 타인의 꿈을 존중하며 자신의 행복을 추구하며 살 줄 아는 사람이 되었고 엄정화는 남편과 딸에게 인정받는 당당한 댄스 가수가 되었다. 에필로그처럼 등장하는 황정민의 유쾌한 유세 장면은 이후 황정민이 훌륭한 서울 시장이 될 것이라는 암시처럼 보이기도 한다. 또 혹자처럼 실제로 서울시장이 된 황정민과 유명 가수가 된 엄정화의 좌충우돌을 그리는 속편을 기대해 볼 수도 있겠다. 어쨌든 이 영화는 현실적 한계를 극복해 가며 가족 간의 이해와 사랑을 통해 조금씩 자신의 꿈들을 이루어 가는 모습들을 담아냄으로써 일반 시민들에게 카타르시스를 안겨주는 역할에 충실했고 성공한 것처럼 보인다.

맙소사. 저런 미소의 서울시장 후보가 나온다면 찍지 않고 못 배길 듯.

서울 시장 후보 와이프와 댄스가수를 오가는 완벽 연기는 엄정화가 역시 제격!

+ 겉핥기에 그쳤을지 모르지만 국민이 원하는 정치인상을 보여주는 데 역점을 둔 듯한 캐릭터, 황정민. 
  그의 순박한 미소를 <그저 바라보다가> 이후 또 만나게 되어 반가웠다.

++ 황정민, 엄정화도 그렇지만 정성화도 정말 연기 잘 하는 배우라는 생각을 새삼 다시 하게 되었다는.

+++ 영화의 단점은 바로 신선미 제로라는 것. 그러나 좋은 영화의 척도가 분명 '신선미'는 아니니까. ;; (깨갱)

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오래된 인력거 - 이성규

기쁨의 도시라 불리는 인도 최대의 도시 캘커타. 그러나 그 이면에는 4백만 명이 넘는 절대 극빈자가 지독한 가난과 싸우며 살아간다. 그리고 그 곳에 맨손과 맨발로 치열하게 삶을 살아가는 인력거꾼 ‘샬림’이 있다. 아내의 병원비, 가족의 생활비를 벌면서 틈틈이 돈을 모으고 있는 샬림의 꿈은 하루 빨리 가족과 함께 살 집을 장만하는 것. 그래서 그는 모든 것은 신의 뜻이라는 ‘인샬라’를 마음에 새기며 매일같이 지열 70도의 뜨거운 아스팔트, 세차게 몰아치는 빗줄기를 뚫고 꿈을 향해 맨발로 거리를 나선다. 그러나 아내의 병은 차도가 보이질 않고, 설상가상으로 학업을 그만두고 돈을 벌기 위해 뭄바이로 떠났던 큰 아들은 신종플루에 걸렸다는 연락을 받게 되는데…

※ 스포 주의

극이 시작하자마자 이 영화의 주인공, 아니 이 다큐멘터리의 주인공은 매우 감정적으로 격해져 있는 상태로 등장한다. 늙고 추레한 외모의 이 초로의 인도 남성이 바로 이 다큐멘터리의 주인공이라고 한다. 그런데 그 사람은 극구 카메라를 밀어 내며 자기를 찍지 말라며 화를 낸다. 도대체 그 이유가 무엇일까. 
이후 다큐멘터리는 관객이 던진 이런 물음에 답을 하듯 진행된다.

기쁨의 도시라 불리는 인도의 캘커타에서 맨발로 인력거를 모는 사람들이 있다. 그 중의 한 사람인 '샬림'이 바로 이 다큐멘터리의 주인공이다. 샬림은 35년 전 고향을 떠나 캘커타에 와서 인력거를 모는 일을 해서 푼돈을 모아 다달이 집으로 생활비를 부쳐 왔다. 그가 보내준 돈으로 아내는 시골에서 살림을 하고 아이들을 먹여 키운다. 샬림과 같은 인력거꾼들은 대부분 지독한 가난 때문에 돈을 벌기 위해 도시로 흘러 들어온 극빈자층이 대부분이다. 샬림의 큰아들뻘인 '마노즈' 역시 시골에서 일자리를 찾아 상경한 신참 인력거꾼이다. 다큐멘터리는 샬림과 마노즈와 같은 인력거꾼들이 서로를 다독이며 어떻게 생계를 이어가고 있는지를 보여준다. 그 안에는 정도 있고 유머도 있다. 또한 신에 대한 믿음으로부터 얻는 위안은 이들에게 큰 힘을 준다. 하지만 현실은 인력거를 몰아 버는 수입으로는 고향에 보낼 돈은 커녕, 자신마저 끼니를 거를 때가 허다할 만큼 비참하다. 또한 이들은 가난하기 때문에 질병이나 사고에 취약할 수 밖에 없다. 샬림 역시 적은 돈으로 대식구 살림을 꾸려 가던 아내가 아프다는 소식을 듣게 되고 가난 때문에 가출했던 큰 아들도 병에 걸려 빚을 졌다는 사실을 알게 된다. 그럴 때마다 샬림은 인력거를 내려 놓고 가족들에게 달려 간다. 가난한 그에게 '가족'과 '꿈'은 같은 이름이면서도 동시에 추구할 수 없는 대상이다. 샬림은 가족을 위해 인력거를 몰았고 가족을 위해 삼륜차를 사고 싶다는 희망을 갖게 되었으나 결국 그 희망은 가족 때문에 무너지고 만다. 

샬림은 다큐멘터리에서 총 두 번 자신의 감정을 표출한다. 영화의 초반, 제작진에게 카메라를 치워 달라며, 당신들과 같은 외국인 친구들은 필요없다며 화를 내고, 또 영화의 중후반, 자신이 35년 동안 꿈을 위해 노력해 온 모든 것이 수포로 돌아갈 조짐을 느끼고, 그간 꾹꾹 눌러 참았던 울음을 터뜨린다. 이렇게 다큐멘터리의 주인공 인물이 극한 상황에 놓였을 때 다큐멘터리의 매체적 딜레마가 등장한다. 인물의 절망하는 순간을 담아야 하는 다큐멘터리의 숙명은 언제나 윤리적 물음에 맞부닥치게 되는 것이다. 카메라의 존재로 인해 인물이 더 심하게 받게 될 실질적인 고통과 상처를 어떻게 할 것인가. 카메라는 결국 샬림의 모습을 모두 카메라에 담아내었고 덕분에 관객은 샬림이 잠든 가족 옆에서 숨죽여 눈물을 훔치며 제작진에게 제발 카메라를 치워 달라고 애원하는 모습을 지켜볼 수 있게 되고야 말았다. 자신의 인생에서 나가 달라며 화내고 애원하는 샬림을 지켜보는 장면은 분명 마음 아프다. 그러나 그 '아픈 마음'의 진짜 정체는 무엇일까 하는 생각에 멈칫 하는 순간 제작진이 카메라 안에 등장해 샬림을 안아주고 위로하는 장면이 나온다. 제작진이 샬림을 진정시키는 데 쓴 말은 바로 '인샬라', '이 모든 것이 신의 뜻'이라는 것이다. 이 '신의 뜻'은 샬림의 태생적 가난을 가리키는 것인가. 가족의 질병 때문에 자신의 꿈을 포기해야 하는 샬림의 피치못할 선택을 뜻하는 것인가. 아니면 그의 불행을 낱낱이 담아 내고 있는 카메라의 존재를 말하는 것인가. 나의 '아픈 마음'은 동정심일까, 아니면 내가 아니라 다행이라는 안도감은 아닐까.

나에게 질문을 던지게 만드는 다큐

극의 초반에서 제작진은 내레이션(이외수)을 통해 '우리는 샬림을 한 사람이 아닌 피사체로 보았던 것은 아닐까' 라는 반성 어린, 그러나 답이 없고 해결할 의지도 없는 질문을 던진다. 그리고 샬림이 참았던 눈물을 쏟아내는 순간까지 지켜본 관객 모두에게 가책을 나누어 지도록 만든다. 이 모든 과정은 (샬림에게 있어) 잔인하다. 관객은 한 사람의 생을 스크린을 통해서 지켜보며 무력하게 앉아 있을 수 밖에 없었다는 참담함을 느끼고 그의 상황에 우리의 현실을 빗대 난 그래도 '다행'이라는 잔인한 위안을 얻게 되는 것이다. 샬림의 아내는 여전히 입원 중이고 그의 생계 수단인 인력거는 빈곤의 상징으로 비판받으며 인도 정부에 의해 수년내 사라질 운명이라고 한다. 샬림과 그의 아내와 큰 아들은 어떻게 되는 걸까. 신분제와 지주, 소작농 사이의 갈등 때문에 아버지가 학살된 수많은 '마노즈'들은 앞으로 어떻게 되는 걸까. 캘커타 거리를 오가는 배낭여행객들과 마찬가지로 우리는 그들의 불행을 한낱 구경거리와 교훈과 위안의 대상으로 삼고 있는 것은 아닌지... 이 다큐멘터리가 의의를 가지려면 수많은 사람들이 스크린을 통해 그들의 불행을 목도한 댓가로 어떠한 변화를 일으키도록 변화가 이루어져야 하는 것은 아닐까. 물론 그것은 다큐멘터리의 제작진이 고민해야 하는 몫이 아니다. 10년 전에 샬림을 만나 기획과 제작이 시작되었을 이 다큐멘터리는 관객에게 윤리적 질문을 던지는 것으로 그 소임을 마쳤다. 물론 그들의 가난과 불행은 감상적으로 포장되었고 관객은 잘못 한 것 없이 샬림의 눈물 앞에서 죄의식을 갖게 되었다. 또한  우리가 반성해 보아야 할 지점은 이 다큐멘터리를 주목하는 이유가 우리나라에서도 이미 심각한 사회 문제인 빈부 격차를 다루는 것이 아니라 그나마 이국적인 피사체와 풍경으로 대체되었기 때문이 아닌가 하는 부분이다.

병든 아내의 손을 붙잡은 샬림의 손. 근데 샬림 손금이랑 내 손금이랑 비슷해..ㅜㅜ ㄷㄷ

다큐멘터리는 객관적이기 위해 노력할 뿐 절대 완벽할 순 없다. 냉소적으로 말해 카메라를 든 사람(제작진)은 그들의 불행을 전시하여 앞으로 아티스트로 인정받는 계기를 마련하게 될는지도 모른다. 샬림의 직업이 인력거꾼인 것처럼 카메라는 잔인하리만큼 적나라하게 샬림의 밑바닥 인생을 비추는 역할을 하였고 관객인 나는 연휴 중 어느 날 영화관 한 구석에 앉아 머나먼 나라의 밑바닥 인생에 대한 이야기를 돈을 주고 관람하였다. 이렇게 카메라는, 그리고 관객은 샬림을 가난에서 구제해 주거나 그의 가족을 행복하게 만들어 줄 수 없다. 

그.럼.에.도. 다큐멘터리는 존재해야 한다. 다큐멘터리는 문제를 해결하는 것이 아니라 좀더 많은 사람에게 보여주는 것을 그 존재 이유로 갖는다. 카메라의 도구적 역할은 샬림과 같은 캘커타의 인력거꾼이라는 존재를 알리고 인도 정부의 모순과 무능을 지적하고 먼나라 사람들로 하여금 그러한 현실을 직시해 볼 수 있도록 하는 기회를 제공하는 것으로 만족할 뿐이다. 샬림과 10년 동안 친구였다고 '주장'하는 제작진은 과연 샬림의 불행과 슬픔을 어디까지 공감했을까 하고 궁금해 할 수도 있고 그들이나 관객의 감정이 단지 가슴아픔 이상의 감상일 수 있었을까 자책할 수도 있고 누구 하나 실질적으로 샬림을 도와줄 수 있는 것인가 자문할 수도 있다. 그럼에도 이 다큐멘터리가 존재하는 이유는 샬림을 알게 되는 사람들이 앞으로 만들어낼 눈에 보이지 않는 변화들에 대한 기대감 때문일 것이다. 이 다큐멘터리를 보고 죄의식을 공유한 관객들이 스스로 변화하길, 그러한 변화가 모여 결국은 세상을 변화시키길 바라는 기대감 때문일 것이다. 그러므로 이 다큐멘터의 의의는 관객들에 의해 눈에 보이지 않는 변화들이 조금씩 생겨날 때 비로소 완성될 것이다. 남겨진 것은 이제 카메라가 아닌 관객들의 몫이다. 이것이 이 다큐멘터리가 조금이라도 더 많은 사람들에게 보여져야 하는 이유이다. 

+  이 다큐멘터리의 내레이션은 이외수씨가 맡았다. 마치 옛날 이야기를 들려주는 듯한 말투가 그들의 슬픔을 더욱 낭만화하는 것 같아서 마음에 안 들기도 했지만 그래도 '이외수'씨가 자체 발산하는 아우라 덕분에 상쇄되는 듯.

++ 샬림의 친구로 만나게 된 마노즈가 제작진의 카메라에 10년 전 찍힌 적이 있다는 사실이 밝혀지는 장면은 전율을 불러일으킨다. 제작진의 엄청난 자료 수집에 대한 노고와 작품에 대한 열정, 의지가 느껴졌던 부분.

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엘라의 계곡 - 폴 해기스

아들 마이크가 명예로운 군인이 되길 바랬던 퇴역 군인 행크 디어필드는 참전 후 귀환한 아들이 외출 후 부대로 돌아오지 않았다는 소식을 접한다. 아들이 귀국했다는 소식도 모르고 있던 헌병 수사관 출신 행크는 탈영 처리될 위기에 처한 아들에게 무슨 일이 있는지 알아보러 직접 군부대로 향한다. 단순한 마약관련 사건으로 아들의 실종을 처리하려는 군수사대를 의심한 행크는 지역 관할 형사인 에밀리 샌더스와 함께 직접 아들을 찾아 나선다. 전직 수사관 출신답게 집요하게 사건을 추적해 가던 중 아들 마이크와 전쟁에서 함께 했던 전우들을 만난 후 결국 그 곳에서 벌어졌던 일을 알게 되고 그럴수록 군 당국과 지역 경찰과의 갈등은 심해져 간다. 마침내 아들의 죽음의 실체를 알게 된 행크는 그 동안 조국에 충성했던 자신의 가치관에 혼란을 겪게 되고 결국 아들의 죽음 뒤에 숨겨진 미스터리를 풀기 위해 오랫동안 간직해온 신념을 버리지 않을 수 없게 된다.

※ 스포일러 주의


스펙터클이 아닌 현실 속에 남겨진 전쟁의 이면

이라크 전쟁에서 귀환한 아들이 부대로 돌아오지 않았다는 소식을 듣고 아들을 찾으러 부대로 떠난 행크(토미 리 존스). 아들의 전우들을 만나 보지만 뚜렷한 행방을 아는 이가 없고 얼마 지나지 않아 아들이 끔찍하게 살해된 채 변사체로 발견되었다는 소식을 듣는다. 이제부터 이 아버지는 죽음의 배후를 밝히기 위해 아들의 흔적을 찾아 나서기 시작하는데 진실을 알게 될수록 자신이 고수해 온 가치와 신념이 뒤흔들리게 된다. 이 아버지는 본인이 한때 군인이었으며 두 아들을 직접 전쟁터로 보낸 장본인이다. 이 아버지의 조국에 대한 충성과 헌신은 말로 할 필요가 없을 만큼 굳건하고 완고했다. 그러나 그가 전쟁터로 보낸 둘째 아들 마이크는 처참히 살해당했다. 부모와 사이도 좋았고 착했던 아들이었지만 전쟁터에 다녀온 마이크는 입이 거칠고 마약을 하고 스트립 댄서를 모욕하는 폭력적인 군인이 되어 있었다. 그에게 붙은 '위생병'이라는 별명도 그가 이라크에서 생포한 포로의 상처를 헤집으며 괴롭히는 모습을 보고 동료들이 붙여준 거라고 하니 행크는 더욱 혼란스러워 진다.
이렇게 이 영화는 전쟁을 소재로 다루고 있지만 스펙터클이 없다. 다만 아들의 죽음을 둘러싼 진실에 다가서는 아버지의 절망스러운 눈만 있을 뿐이다. 

도움이 필요한 '미국'

아들의 죽음보다 더 고통스러운 진실을 마주한 후 집으로 돌아온 행크가 한 일은 아들이 보내온 낡은 성조기를 거꾸로 매다는 일이었다. 국기를 거꾸로 다는 것은 국제적 조난 신호를 뜻하는 것이라며 국기를 바로 걸어야 한다고 훈수를 두었던 그가 영화의 마지막 장면에서 스스로 성조기를 거꾸로 매달고 깃대를 테잎으로 감아 봉해 버린다. 그에게 영예와 자긍심, 충성의 대상이었던 조국인 미국은 그의 선량했던 아들을 전쟁터로 보내 괴물로 만들었으며 적이 아닌 또다른 동료 괴물들에 의해 살해당하도록 내버려 두었다. 뿐만 아니라 정작 자신은 왜 아들이 애타게 아버지 도움이 필요하다며 울먹였을 때 그것을 외면했던가. 그렇다. 자신 역시 아들이 죽도록 내버려 둔 것과 마찬가지라는 사실, 그리고 자신이 믿어온 모든 가치가 한낱 살인기계를 양성하는 국가관에 복무해 온 것에 불과하다는 사실을 깨달은 그는 이제 자신이, 그리고 자신의 조국 미국이 다른 나라의 도움이 필요하다는 사실을 국기를 거꾸로 닮으로써 스스로 공표한 것이다. 이것은 미국의 모든 기성세대가 자신의 아들들을 괴물 제조공장으로 보내 버리는 가해자이자 공범이라는 사실을 세계에 알리고 정신적 조난 상태에 빠진 미국을 구해달라고 외치는 것이다.


전쟁만큼 무서운 '방관'과 '방조'

여기서 '방조죄'는 행크와 함께 수사에 나선 여형사 에밀리(샤를리즈 테론)에게도 성립된다. 그녀는 한 여인이 자신의 애완견을 때려 죽인 남편을 신고하러 경찰서로 와 도움을 요청했을 때 그 일이 대수롭지 않다고 판단, 그녀를 돌려 보낸다. 결국 남편에 의해 욕조에서 익사당한 그 여인의 손을 부여잡은 에밀리도 자신이 왜 그때 그 여인을 모른 척 했을까 뼈아프게 뉘우쳤을 것이다. (이 때 아내를 살해한 그 남편 역시 참전 용사였다는 설정은 의미심장하다. 그 역시 '전쟁'이 만들어 낸 하나의 '괴물'이었다.)
결국 폭력과 범죄와 전쟁은 모두 '악'의 다른 이름인 것이다. 그리고 그것을 키우는 것은 바로 전쟁과 폭력으로부터 스스로 안전하다고 믿는 사람들의 '방조'와 '방관', '외면'이다. 폴 해기스는 이렇게 전쟁을 둘러싼 모든 혐의에서 우리 중 어느 누구도 결코 자유롭지 못하다는 사실을 말하고 있다. 물론 미국내에는 여전히 직장내 여성차별이라든가 인종차별과 같은 고질적 문제들이 존재하고 있지만 그것들이 사회 구성원 간의 이성과 화해로 극복 가능한 반면 전쟁은 절대 그렇지 않다는 것이다. 폴 해기스 감독은 스스로 병들어 가고 있는 미국에게 국제사회의 도움의 손길이 필요하다는 고백을 이 영화 한 편에 덤덤하면서도 충분히 고통스럽게 담아내었다.

'엘라의 계곡'

'엘라의 계곡'을 제목으로 택한 이유는 뭘까. 괴물을 이기려면 피하지 말고 맞서야 한다는 다윗 이야기의 교훈은 결국 괴물에게 희생당하지 않기 위해 스스로 괴물이 되어야 한다는 군인 정신의 논리를 미화한 전설이 아닌가. 행크의 아들 마이크는 바로 그 군인 정신이 낳은 부작용 때문에 살해되었건만. 그렇다면 이 제목은 이제부터라도 인류는 역사 안에 놓인 수많은 '엘라의 계곡'을 전쟁이 아닌 다른 방식으로 극복해야 한다는 사실을 말하는 것이라고 해석해야 하지 않을까.

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